Tatiana Trouvé

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Tatiana Trouvé

Cet entretien fut réalisé par Eva Prouteau le 5.07.2008 à l'occasion de l'exposition de Tatiana Trouvé au Frac des Pays de la Loire du 6 juillet au 12 octobre 2008. L'artiste évoque également son exposition concomitante à l'Espace 315 du centre Georges Pompidou.

Après avoir passé son enfance à Dakar, Tatiana Trouvé poursuit ses études d'art aux Pays-Bas et à la Villa Arson de Nice. En 2007, elle reçoit le Prix Marcel Duchamp et réalise plusieurs expositions personnelles importantes (Palais de Tokyo, MAC/VAL, Villa Arson et Galerie Emmanuel Perrotin Miami). En 2008, elle est invitée au Centre Georges Pompidou.
Elle est représentée par la Galerie Emmanuel Perrotin à Paris et Miami, la Galerie Almine Rech à Bruxelles et la Galerie Johann König à Munich.

Opérant principalement par installations, Tatiana Trouvé se consacre à partir de 1997 à une seule ?uvre, le Bureau d'Activités Implicites (BAI), ensemble modulaire comparable à un corps qui ne cesse de se modifier par sa croissance et ses altérations. Composé de différents Modules dédiés chacun à une activité spécifique, le B.A.I. se propose de structurer à la fois la genèse et la mémoire des occupations de Tatiana Trouvé et, pour cela, inventorie, classe, codifie, réorganise tous les actes et pensées de l'artiste. Les Modules « sont des lieux de travail et de concentration dont on ne sait précisément si la fonction consiste à recenser ou à produire les pensées ou les traces de l'activité de l'artiste ? comme si la genèse en constituait également l'horizon. » Au désordre de l'esprit ou aux mystères de l'inconscient se substituent des sculptures aux composants plus ou moins surréalistes, assez low-tech, dont l'assemblage apparaît paradoxalement comme très rigoureux.
Depuis 2006, Tatiana Trouvé développe également des maquettes de "lieux implicites" dénommés Polders, qui se différencient des modules dont la taille environne les 1,50m par une échelle réduite correspondant à la taille d'un enfant. Eléments enfouis de la mémoire qui font surface, à l'image des polders des Pays-Bas, zones côtières endiguées pour dérober les terres à la mer, « ces espaces en réduction restent énigmatiques parce que composés d'éléments faisant référence à des univers hétéroclites : de plus, leur changement d'échelle, optique, s'accompagne systématiquement de la redéfinition d'une logique d'espace. » Excroissances ou colonies mentales, greffes architecturales, les Polders sont agissent de concert avec les Modules pour produire des fictions d'activité,
Le visiteur se voit donc confronté à une gigantesque entreprise de fiction, d'autofiction, où l'artiste oscille en permanence dans le grand labyrinthe mémoriel et spatial qu'elle ne cesse d'enrichir en combinatoires, entre récit individuel et inconscient collectif.

L'exposition de Tatiana Trouvé au Centre Pompidou redéfinit la géographie de l'Espace 315 pour produire un lieu aux limites insaisissables. Par le jeu des dimensions, des perspectives et des réductions d'échelles, l'artiste trouble nos perceptions.
Des couloirs semblent s'étendre à l'infini, une grille métall

Michaël Blum

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Michaël Blum

Cet entretien est réalisé par Eva Prouteau à l'occasion des Instantanés présentés dans la salle Mario Toran du FRAC DES PAYS DE LA LOIRE.
L'artiste MICHAEL BLUM y présente son exposition Ciao Ghatoul du 8.11.2008 au 4.01.2009.

Tel-Aviv, 2007. Un homme perd patience face aux miaulements répétés d'un chat errant. Il décide tout simplement d'expulser l'animal en Cisjordanie. Représailles, enlèvement et déportation : ces mots dramatiques décrivent habituellement le traitement infligé à certains humains. Dans Ciao Ghatoul (que l'on pourrait traduire par Salut Minou) ils s'appliquent à un chat et répondent à un enjeu presque futile. Ce qui débute par une confrontation comique entre un homme qui essaie de trouver le sommeil et un chat quémandant un peu de nourriture ou d'amour s'achève en lutte pour atteindre une destination inconnue.
Un kidnapping donc, puis un voyage rendu long et complexe par l'occupation israëlienne et le morcellement géographique qu'elle induit. S'élabore, au gré de ce périple motivé par une broutille domestique, un roadmovie fantasque où les notions de territoire, de frontière, de liberté affleurent en permanence. La fonction du "mur de séparation" y est analysée sur un mode léger (où est le dedans, où est le dehors ?), soulignée avec humour par la présence d'un wallpaper (le motif stylisé d'un chaton reproduit à l'infini, imprimé sur un drap dans la vidéo, et dont la couleur vert pomme se trouve incidemment être celle de l'islam et du Hamas en particulier). Enfin, l'obligatoire trilinguisme hébreu-arabe-anglais se transforme ici en un radical no-linguisme (tous les personnages sont muets mis à part le chat qui miaule sans arrêt).
Sous un aspect extrêmement direct et documentaire, ce curieux voyage en images recèle un travail de montage élaboré, notamment en ce qui concerne la bande-son, fruit d'un long travail de post-production. « Il n'y a de vérité qui ne soit fabriquée... », dit l'artiste.

Né en 1966 à Jérusalem, Michael Blum vit et travaille à Vienne (Autriche). Après des études d'histoire à Paris puis de photo à l'Ecole Nationale Supérieure de la Photographie à Arles, il réalise un ensemble de travaux ? vidéos, photographies, installations, publications ? proposant une relecture à la fois critique et humoristique de la culture, de l'histoire et de l'économie politique. Dans My sneakers (vidéo, 2001), il enquête en Indonésie pour retrouver le lieu de fabrication de sa paire de Nike achetée en solde à Paris et fait jaillir de l'intime une réflexion géopolitique. Le même type de « grand écart » entre échelle individuelle et nationale/internationale sous-tend son film 17 Aandbloem Street, tourné en 2003 à Cape Town : il y démêle les rapports de pouvoir et les petites histoires entre voisins d'une résidence, ralliant l'hyper-local à une dimension sociologique et politique bien plus vaste, dix années après la chute de l'Apartheid. Et ce même regard attentif aux multiples lectures de l'histoire informe encore l'installation qu'il présente à Amsterdam en 2006, dans une atmosphère de reconstitution signée Madame Tussault. Il y ausculte patiemment le passé obscur de la banque juive néerlandaise Lippmann Rosenthal & Co&

Stéphane Pauvret

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Stéphane Pauvret

Cet entretien est réalisé par Eva Prouteau à l'occasion des Instantanés présentés dans la salle Mario Toran du Frac des Pays de la Loire.
L'artiste Stéphane Pauvret y présente son exposition Juste une illusion du 18.01 au 24.02.2008.

Le travail de Stéphane Pauvret peut s'envisager comme une investigation du spectaculaire sous toutes ses formes et ses acceptations, dans tous ses modes d'apparitions ou de visions. Le quotidien, la ville, la banalité de certaines situations ou d'espaces, sont des éléments que l'artiste aime à pointer, détourner, mettre en valeur. Entre glissements savoureux et surgissements dans l'espace public, ses photographies et ses installations vidéo tiennent du furtif, du dérisoire et d'un décalé incertain.
En 2003, l'artiste demandait ainsi à un dessinateur de rue, de lui faire le portrait à la craie sur le trottoir du centre ville de Nantes. Non loin d'un campement de sans-papiers devant la préfecture, il photographiait un panneau d'affichage publicitaire dont le slogan était Lire la ville de plus près pour voir plus loin : une manière de faire révéler un autre sens à cette cohabitation d'éléments mis en proximité.
Par le biais de collaborations multiples avec des vidéastes, des musiciens, des chorégraphes et des metteurs en scène, Stéphane Pauvret entreprend depuis plusieurs années, des projets qui procèdent de décontextualisations, de mises en abyme, de jeux de va et vient entre des médiums et des supports.
Questionnement quant au mode de présentation qu'elle induit, l'exposition peut devenir le prétexte à autant de clins d'?il, références à l'espace scénique ou au white cube de l'art contemporain. La projection vidéo s'appréhendant ici comme une expérience véritablement physique et concrète, l'artiste explore le rapport corporel que le spectateur entretient face à l'image, de manière générale et élargie.

Stéphane Pauvret est aussi membre du collectif Contrechamp diffusant des films d'artistes. Dernièrement, l'artiste a réalisé au Brésil, un documentaire sur un campement de paysans Sans-terre, ce mouvement syndical et populaire qui lutte pour une réforme agraire et un changement social. Intitulé Juste une illusion, le projet d'Instantané de Stéphane Pauvret au Frac des Pays de la Loire, développe une réflexion autour de l'hypermodernité d'une mégalopole, Sao Paolo et sa proche région rurale. Dans le cadre de l'Instantané, en parallèle à l'exposition, sera programmé en avant première au Cinématographe, le long métrage tourné au Brésil, écrit et coréalisé avec Bérangère Janelle.
Juste une illusion constitue une proposition plastique imaginée à partir d'un territoire réel, celui de l'architecture de survie, qui apparaît aux abords d'une ville, et qui est produite par des habitants refoulés à ses frontières. La périphérie sociale, urbaine et politique comme une donnée contemporaine, est une des thématiques déclinées par cette exposition

Le Gentil Garçon

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Le Gentil Garçon

Cet entretien est réalisé par Eva Prouteau à l'occasion de l'exposition intitulée La Grande Décomposition.

L'artiste Le Gentil Garçon présente ce projet au LIEU UNIQUE du 14.10.2008 au 25.01.2009.

" La Grande Décomposition est la descendante monstrueuse des Praxinoscopes, Phénakistiscopes* et autres Zootropes**. Elle tentera de faire vibrer l'architecture du lieu unique.
La Grande Décomposition renoue avec l'esprit de découverte des précurseurs du cinéma que furent Marey ou Muybridge et la fantaisie de Méliès.
La Grande Décomposition prend à rebours l'efficacité technologique et matérialise chaque photogramme à l'échelle du spectateur. Un tour de force qui fait de la pellicule à la fois le plateau de tournage et la salle de projection. Une façon jubilatoire de ré-enchanter une lanterne qui, depuis longtemps, n'a plus rien de magique. L'installation met en scène des allégories précieuses ou grotesques de la création et de ce qui l'inspire. L'ensemble donne aux 1200 m2 de la Cour du lieu unique l'allure d'une fabrique, d'un atelier clandestin qui confectionnerait du rêve à la chaîne. Le tout vise à créer l'illusion d'un mouvement : celui de la pensée féconde et débordante des créateurs. "
Le Gentil Garçon

*Phénakistiscope : appareil formé de 2 disques, qui donne l'illusion du mouvement par la persistance des images rétiniennes. Ancêtre du cinéma.
Praxinoscope : phénakistiscope perfectionné, où les images, reflétées sur des petits miroirs disposés en prismes, donnent l'illusion du mouvement.
**Zootrope : le zootrope est un jouet optique inventé en 1834 par William George Horner. Se fondant sur la persistance rétinienne, le zootrope permet de donner l'illusion du mouvement.
 

Anne-Lise Coste

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Anne-Lise Coste

Un entretien sonore réalisé par Eva Prouteau dans le cadre des Instantanés présentés dans la salle Mario Toran du Frac des Pays de la Loire, exposition du 6.07 au 31.08.2008.

Née en 1973, Anne-Lise Coste est originaire de la région marseillaise. Après avoir obtenu son diplôme à l'école des beaux-arts de Marseille, elle s'est installée voici dix ans à Zurich où elle suivit les cours de la Hochschule für Gestaltung und Kunst. Aujourd'hui, elle partage son temps entre Zurich et Palma de Majorque.

Dans un esprit mêlant rébellion, romantisme, humour et désirs utopiques, Anne-Lise Coste ancre sa pratique dans le dessin et le graffiti, ce qui lui permet de fixer sans figer son énergie impulsive et intuitive. Le langage, l'écriture, en constant dialogue avec le dessin et la peinture à l'air spray (bombe) ou l'air brush (aérographe), occupe une place centrale dans l'?uvre : poèmes, notes, extraits de romans, métaphores, répétition de certains mots ou phrases...Le tracé est ténu, spontané, et les lettres capitales tremblent sur leur base comme esquissées par un enfant. De cet univers intimiste, métissant la naïveté et l'ironie, ressort une certaine part de violence, très présente dans l'ensemble de peintures intitulé Sacrées et profanes, exposé en 2007 à la galerie parisienne Art:Concept. Dix-sept images, exécutées grossièrement à l'acrylique sur toile, où Anne-Lise Coste bouscule les conventions picturales et adopte une manière frustre, cernant les formes d'un contour noir épais, dans des couleurs franches et sans demi-teintes. La référence à l'art brut affleure dans ce refus délibéré des règles linguistiques et esthétiques ; une véhémence expressionniste agit aussi au c?ur de cette narration fragmentée qui promène le visiteur de la figure du discours à l'impact visuel du signifiant, du texte à la forme, de la forme au sens.

Les commentaires d'Anne-Lise Coste sur la politique et la vie quotidienne décrivent souvent une forme de vif mécontentement. Cette posture d'opposition fonde l'ensemble de sa dernière exposition personnelle à la galerie barcelonaise Nogueras Blanchard. Intitulée Save Picasso, l'exposition fait la critique mordante du capitalisme culturel et stigmatise la manière dont la société use et abuse des artistes dans les stratégies de marketing et les campagnes publicitaires. Peignant sur les pages de journaux financiers, Anne-Lise Coste égrène les slogans anti-autoritaires (Professionalization is killing art / La professionnalisation tue l'art) et d'étranges assertions (You care for me I care for you / Tu prends soin de moi je prends soin de toi). Ses interjections organisent une forme d'activisme pragmatique nouant des liens fragiles entre la sensibilité individuelle et les stéréotypes de réalité générés par les structures sociales et politiques dominantes.

Une autre part du travail d'Anne-Lise Coste s'épanouit dans le domaine de la sculpture, de la construction et de l'installation. En une minute (2007) est une tour échaffaudée en bâtonnets de bois, posée sur une chaise faiblement éclairée par une ampoule nue, ce qui confère à cet improbable édifice une monumentalité étonnante. Le titre de l'?uvre correspond peut-ê